Категория

galleries

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>Художники 'Мира искусства'

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
Художники ‘Мира искусства’

Особое положение «Мира искусства» в истории развития русской живописи, пожалуй, ни кем не ставится под сомнение, но при попытке сформулировать, в чем была новизна этого явления, возникают трудности как в силу пестроты состава объединения, так и благодаря широте эстетического разнообразия творческих поисков художников. На выставке в полной мере представлен тот разброс приемов, стилей и художественных задач, которые ставили перед собой участники и экспоненты объединения.

ЧИТАТЬ БОЛЬШЕ...

Из всех жанров изобразительного искусства наиболее ярко индивидуальные качества художника проявляются в пейзаже и натюрморте. В портретной живописи мастер должен соотноситься с индивидуальностью портретируемого, в монументальной живописи — с требованиями заказчика. В пейзаже и натюрморте выбор изобразительного мотива, образный ряд и характер его обобщения не ограничены ничем, кроме той художественной цели, которую ставит перед собой автор. Именно поэтому данная экспозиция намеренно исключила портретный жанр, чтобы представить во всей полноте разнообразие творческого поиска художников «Мира искусства».

Одним из живописных направлений, наиболее часто ассоциируемых с «Миром искусства», является ретроспективизм. Жанр исторической картины существовал всегда, но в творчестве художников конца XIX века он приобретает совершенно новое наполнение. Они уходят как от изображения конкретного исторического события, которое было распространено в академическом направлении, так и от костюмированных сценок салонного искусства. Их ретроспективы призваны воссоздать атмосферу прошлого, уловить дух прошедшей эпохи. Это именно «исторические прогулки», без ярко выраженной цели, полные созерцательности и сопереживания.

На этом поле нам подарены удивительные по разнообразию и мастерству работы. Это и археологические визуализации Рериха, поэтические древнерусские сюжеты Нестерова и скрупулезно точные по подбору исторического материала композиции Бенуа и Сомова, монументальные панорамы древних городов Богаевского.

Многие художники отправлялись для «исторических прогулок» не только в мир воображения, но и совершали путешествия в места, где история замедлила свой ход. Бенуа и Остроумова путешествовали по провинциальным местечкам Европы в поисках средневекового духа, Рерих уезжал по древнерусским городам, Павел Кузнецов странствовал по казахским степям, Щекатихина-Потоцкая и Серебрякова искали вдохновение в Северной Африке. Борис Кустодиев на выставке 1916 года представил свою театральную реконструкцию старинного русского городка на Волге, которую также можно увидеть на экспозиции.

Каждый художник из осколков прошлого собирал свою, близкую его сердцу картину. В этом процессе много игры и часто насмешки над самим собой, стремления в противостоянии подступающей тьме сохранять самоиронию как главную опору собственного достоинства. Поэтому и подчеркнутая театральная условность Судейкина, и шаржированная графика Нарбута, и ядовитые шаржи Щербова занимают на выставках «Мира искусства» свое законное место.

Эта выставка является нашей посильной данью уважения к художникам, во многом определившим лицо русской культуры. На ней представлены работы, охватывающие весь период существования «Мира искусства», вплоть до последней выставки 1927 года, как и все основные художественные течения, которые объединение собрало под своей эгидой.

Вторая выставка из цикла, отмечающего 120-лет основания художественного объединения «Мир искусства», посвящена пейзажным и жанровым произведениям в творчестве «мирискусников». Эти работы составляют огромный, крайне любопытный и разнообразный пласт в наследии лучших художников Серебряного века.

Участники объединения на рубеже XIX-XX веков выступили главной движущей силой обновления в русском искусстве. В значительной степени это проявилось в стирании четких границ между жанрами и стремлении художников к созданию синтетического произведения. Эта тенденция привела к слиянию жанровых и пейзажных черт в графических и живописных композициях и появлению сложной типологии пейзажа: исторического, современного городского, индустриального, театрализованного…

Все разнообразие стилей и авторских взглядов показано на выставке «Художники «Мира искусства». Исторические прогулки»: удивительные картины прошедших эпох Александра Бенуа, мистический и драматичный Петербург Михаила Добужинского, яркие жанровые композиции Бориса Кустодиева.

Выставка представляет вниманию зрителя удивительное собрание работ художников объединения «Мир искусства» из частных коллекций Петербурга и Москвы. Проект организован «Ленинград Центром» совместно с антикварной галереей «Петербург» в рамках долгосрочного сотрудничества по организации выставок выдающихся произведений из частных собраний. Информационный партнер проекта — газета «Деловой Петербург».

Ольга Глебова

СВЕРНУТЬ...

ИСТОРИЧЕСКАЯ СПРАВКА...

Историю «Мира искусства» — объединения, собравшего вокруг себя крупнейших русских художников рубежа XIX-XX веков, можно начать с создания в Петербурге так называемого «кружка самообразования», состоявшего из студенческой молодежи — друзей, интересующихся искусством и вопросами национальной культуры. В круг входили Александр Бенуа, Дмитрий Философов, Сергей Дягилев, Вальтер Нувель, Лев Бакст (Розенберг), Константин Сомов, Евгений Лансере.

Без сомнения, вся история объединения «Мир искусства» неразрывно связана с именем Александра Николаевича Бенуа (1870-1960). Он родился в семье прославленного архитектора и принадлежал к фамилии, объединявшей родственными узами значительную часть петербургских деятелей искусств и интеллектуалов конца XIX века.

Александр Бенуа учился в частной гимназии Карла Мая в Санкт-Петербурге. Именно отсюда начинается история будущего объединения художников: его возникновению предшествовал так называемый «кружок самообразования», созданный в конце 1880-х друзьями и сокурсниками, которых объединяли художественно-эстетические взгляды, а именно, стремление к синтетическому восприятию искусства и культуры.

Первой выставкой объединения, получившего свое название «Мир искусства» несколько позже (по имени журнала, который начал издаваться в 1898 году), стала масштабная «Выставка русских и финляндских художников», прошедшая в залах Музея барона Штиглица.

Так писал об этой выставке Александр Бенуа: «Если бы этот наш журнал уже существовал в момент, когда была устроена только что упомянутая выставка и существовал под тем названием, которое, после многих споров, ему было дано, то эта выставка вошла бы в историю как «Первая выставка «Мира искусства». Она уже была устроена согласно тем принципам, которые были положены в основу нашего журнала и нашего общества. … Самый факт, что организатор выставки счел нужным пригласить к участию группу финляндских художников, означал известный уклон и известный принцип. Это соединение нас с финнами было средством для выражения того «космополитизма» в искусстве, которому наша группа готовилась служить с самого возникновения своего сознательного отношения к художественной деятельности. Мы горели желанием послужить всеми нашими силами родине, но при этом одним из главных средств такого служения мы считали сближение и объединение русского искусства с общеевропейским, или, точнее, с общемировым».

На самом начальном этапе своего становления объединение «Мир искусства» обозначило задачу соединить московский и петербургский круг художников, чтобы стать репрезентативным отражением всех передовых устремлений искусства России рубежа веков. Именно на сложившуюся во время данного выставочного проекта группу художников опирался в дальнейшем Дягилев при создании журнала «Мир искусства», ставшего центром артистической жизни России начала XX века.

В ноябре 1898 года выходит первый номер журнала «Мир искусства». Инициаторами его создания выступили Александр Бенуа и Сергей Дягилев, издателями — М.К. Тенишева и С.И. Мамонтов. Редакция журнала первоначально располагалась в доме Дягилева на Литейном проспекте, а с 1900 года — на набережной реки Фонтанки, дом 11.

Именно благодаря журналу объединение и получило свое название, сохранившееся в истории, поскольку от своего имени издание ежегодно устраивало масштабные художественные выставки.

Журнал выходил с 1 899 по 1904 год и стал центром культурной и интеллектуальной жизни России своей эпохи. Постепенно, помимо петербургской группы, образовавшейся ранее вокруг Дягилева и Бенуа и участвовавшей в выставке 1 898 года, к объединению примкнули практически все крупнейшие художники своего времени.

Выставки «Мира искусства» в значительной степени воздействовали на изменения в эстетических взглядах своих современников. В художнике-представителе объединения воплотился новый тип художника-эрудита и интеллектуала, знатока истории искусства, открывающего забытые черты прошедших эпох, а также универсального автора, способного работать в большинстве видов искусства.

Постепенно в деятельности журнала наметились две магистральные линии, характеризующие истоки новых художественных форм, разрабатываемых членами объединения:

интерес к искусству исторических эпох и, прежде всего, эстетике «русской старины», и, во-вторых, пристальное внимание к современным направлениям в западно-европейском искусстве.

Именно эти две линии повлияли на ключевые темы и пластические открытия художников объединения «Мир искусства».

В 1904 году по инициативе московской группы авторов создается новое объединение «Союз русских художников», к которому присоединяется и группа «36 художников» (московские живописцы-участники выставок «Мира искусства»), а затем и большинство петербургских участников «Мира искусства».

Возникновение «Союза» совпадает с кризисом внутри объединения, в результате чего заканчивается первый этап истории «Мира искусства». В конце 1904 года выходит последний номер журнала, и объединение на шесть лет формально прекращает активную совместную деятельность.

В январе 1905 года открывается грандиозная «Историко-художественная выставка русских портретов», устроенная Сергеем Дягилевым совместно с товарищами по распавшемуся объединению.

В залах Таврического дворца в Петербурге была показана беспрецедентная по своим масштабам экспозиция портретов, созданных русскими художниками с конца XVII столетия и до начала XX века. Всего на выставке было представлено около двух тысяч работ.

19 марта 1910 года в газете «Речь» публикуется статья Александра Бенуа из цикла «Художественные письма», содержащая негативную оценку творчества некоторых молодых участников «Союза русских художников». Статья вызывает недовольство московских членов Союза, которые организовывают коллективный протест.

В написанной Александром Бенуа статье содержалась весьма бескомпромиссная критика работ молодых московских авторов, примкнувших к седьмой выставке «Союза русских художников»: Павла Кузнецова, Георгия Якулова и лидера «молодых» Михаила Ларионова. Ключевое обвинение Александра Бенуа, брошенное в адрес нового поколения художников, заключалось в их подражании европейским современным живописцам.

В опубликованном ответе Александру Бенуа за товарищей вступился Давид Бурлюк: «Вы должны помнить, какой колоссальный жизненный вред приносите Вы, становясь на сторону глумящихся над Матиссом и его школой, дискредитируя в глазах легковерной и доверчивой публики Русское молодое искусство, называя сумасшедшими Якулова, Ларионова, Павла Кузнецова…»

Бенуа не смягчил своих оценочных суждений, но предпочел выйти из состава «Союза русских художников». За критиком последовали Серов, Сомов, Бакст, Лансере, Добужинский, Осроу-мова-Лебедева, Билибин, Рерих, Кустодиев и другие. В том же году было объявлено о возрождении объединения «Мир искусства» авторами, покинувшими Союз. Так начинается второй период в истории объединения.

СВЕРНУТЬ...

ХУДОЖНИКИ ‘МИРА ИСКУССТВА’:

« 1 из 15 »

ШАДРИН! ТЕЛЕГРАМ-КАНАЛ


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>'ТЕАТРАЛЬНАЯ ШКАТУЛКА'

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
‘ТЕАТРАЛЬНАЯ ШКАТУЛКА’

Кукла входит в число древнейших явлений мировой культуры и представлена огромным разнообразием объектов и их видов, являясь одной из древнейших форм репрезентации человека. Можно сказать, история куклы совпадает с историей человеческого рода. Художественная кукла — объемное изображение живого существа, наделенного человеческими признаками, обладающее интерактивными свойствами, созданное художником намеренно в качестве произведения искусства, то есть объекта, несущего в себе определенное смысловое и эстетическое содержание и не имеющее утилитарной функции.

ЧИТАТЬ БОЛЬШЕ...

Под художественной куклой мы понимаем не натуралистическую имитацию человеческого существа — его тела или свойств тела, а творчески переосмысленный природный материал, создание многопланового художественного образа человека, выполненного в формате мелкой или крупной пластики, с сохранением родовых черт куклы как явления. Для художественной куклы характерна различного рода стилизация, символичность, зашифрованность содержания. Это новый и перспективный вид художественного творчества, способный по-новому отразить окружающую действительность. Кукла способна нести в себе информацию о человеке и мире в тысячи вариаций, касаясь самых актуальных вопросов, и может выступить важным действующим лицом в современном изобразительном искусстве.

Искусство куклы в России получило особое оригинальное развитие, зародившись в конце XX века в среде профессиональных художников. Живописцы, скульпторы, дизайнеры, художники театра и кино, ювелиры, мультипликаторы, декораторы нашли в искусстве куклы уникальный художественный язык, отличающийся от всех известных видов современного искусства. Произведения российских кукольников отличает интеллектуальный подход в поиске образа, безупречный вкус в решении пластических задач. Потенциал куклы огромен, и современным художникам еще предстоит раскрыть новые грани и возможности этой темы, создавая яркие образы, не просто фиксирующие жизнь, но приоткрывающие занавес в другой мир — мир представлений человека о самом себе.

Рассматриваемая художниками тема — МЕХАНИЗМ ТЕАТРАЛЬНОГО ПРЕДСТАВЛЕНИЯ, механизмы воздействия на зрителя, механика создания волшебства театрального перевоплощения, лицедейства, создания образа. Механизм получения зрительской эмоции, катарсиса, как конечной цели. Игровая природа куклы, её способность принимать на себя образ, её причастность к «повторённому человеком миру», роднит её с темой театра и актерской игрой. Кукла как объект, безусловно, обладает определенной энергетикой субъекта, и, как персонификация человека, выступает посредником и участником своего рода спектакля. В качестве магического двойника, играющего роль, она предоставляет человеку повод посмотреть на свои эмоции со стороны и, возможно, познать самого себя.

Театральная жизнь, взятая в качестве отправного образа, в силу специфики жанра кукольного искусства, помещена художниками в привычный для кукольного мира формат уменьшенной вселенной, волею волшебника-кукольника заключенной в музыкальный ящик или табакерку или, пожалуй, в театральную шкатулку. В этой шкатулке сотни винтиков и шестерёнок, пружинок и молоточков — режиссёры и актеры, художники и драматурги, музыканты, дирижёры, костюмеры и осветители, гримёры, постижеры, бутафоры, рабочие сцены, кассиры, администраторы, гардеробщики, буфетчики, уборщики, театральные тётушки, пожарные и ещё многие и многие. Стоит только приоткрыть шкатулку, и зазвучит музыка, развернутся монологи, маленькие танцовщицы закружатся в танце, паяцы затеют чехарду, которая скорее всего закончится дуэлью и клюквенным соком, прекрасная дива поднимет глаза и Пьеро зальётся слезами. И Зритель в очередной раз поверит в иллюзию познания Тайны. Эмоции, образы, персонажи, их взаимодействия, комедии и драмы… Это все, в широком смысле, механика нашей жизни, одухотворённая Творцом. И Театр как отображение.

На выставке представлены работы ведущих российских художников-кукольников, членов Секции художественной куклы, Творческого союза художников России и Экспериментальной творческой мастерской «DollArt.ru». Представленная экспозиция художественных кукол включает в себя работы из личных фондов художников, предметы из частных коллекций и собрание Галереи Елены Громовой.

Кураторы выставки: Румянцева Светлана, Худякова Александра

СВЕРНУТЬ...

‘ТЕАТРАЛЬНАЯ ШКАТУЛКА’:

« 1 из 24 »

ШАДРИН! ТЕЛЕГРАМ-КАНАЛ


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>80 картин из собрания семьи Наумовых

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
80 картин из собрания семьи Наумовых

Коллекция из 80 работ русских художников XIX — XX вв., принадлежащих собранию семьи Наумовых. Материалы выставки «Три петербургских коллекции», прошедшей весной 2019 г. в Русском музее Санкт-Петербурга.

ЧИТАТЬ БОЛЬШЕ...

“Восприятие искусства только тогда может привести к подлинному
наслаждению, когда существует искусство восприятия”.

Бертольд Брехт

Наша коллекция живописи не имеет временных и географических рамок: вы можете найти в ней Мариески и Боголюбова, Ренуара и Айвазовского, Матисса, Брюллова и даже Брейгеля, но всё же большая её часть посвящена модерну и тому что произросло на его благодатной почве в первой трети XX века в России, когда русские художники на родине и в эмиграции крушили устои академической живописи и рождали новое искусство. Малевич, Кандинский, Петров-Водкин, Гончарова, Челшцев,Григорьев — эти имена украсят любую коллекцию.

Но как же создать эту Коллекцию?

Для того, чтобы создать коллекцию, необходимо иметь три и один атрибут: врождённую тягу к собирательству, ненасытный пытливый ум, азарт охотника и деньги. Немаловажен, конечно, и географический фактор — оказаться в нужной среде. Именно среда формирует вкус к живописи и учит нас общению с искусством. Мы — дети шестидесятых — страстями этими обладали в силу места и времени нашего появления на свет и тогдашней политической ситуации, но не хватало атрибута. Денег не было, поэтому коллекционировали марки, монетки, значки и открытки. История дала нам шанс, и атрибут со временем нашёлся. Начало нашей коллекции было положено в Лондоне, в декабре 2009 года на аукционах Sotheby’s и Christie’s.

Новое увлечение захватило нас целиком, наполнило жизнь особым смыслом. Когда занимаешься своим детищем, ты как будто переходишь в другое измерение, оставляя всё прочее за закрытой дверью. Обычным людям этого не понять. Коллекционера может понять только коллекционер. Вот такое описание этой «касте» даёт Эдуард Гуревич в книге об известном собирателе — меценате князе Лобанове-Ростовском: “Методы, которые использует коллекционер-собиратель, в самом деле, схожи с теми, что на вооружении у сыщиков… Коллекционер пробует отыскать то, что исчезло и должно быть найдено. Его можно сравнить и с охотником, выслеживающим дичь… Собиратель одержим предметами своей страсти. И он счастлив, став обладателем предмета, за которым охотился”. Точнее не скажешь!

Сегодня мы являемся счастливыми обладателями трёх коллекций: живописи и графики, гравюр и медалей. В коллекции гравюр и коллекции медалей воплотился наш давнишний интерес к истории. Виды Санкт-Петербурга XVIII-XIX веков, батальные сцены и портреты царской семьи — в литографиях, и все значимые события в жизни России — в медалях, всё это уникальный материал для исследования и изучения истории. Это и есть история наглядная история, изложенная современниками событий. Живопись выбранного нами периода, конечно, тоже неотделима от истории… Но живопись, она, всё-таки, больше для души…

Юлия и Кирилл Наумовы

СВЕРНУТЬ...

СОБРАНИЕ СЕМЬИ НАУМОВЫХ:

« 1 из 9 »

ШАДРИН! ТЕЛЕГРАМ-КАНАЛ


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>'СВИНОЕ РЫЛО' 2019

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
‘СВИНОЕ РЫЛО’ 2019

Голимая правда о русской душе и русской жизни в образах — петербургская галерея ‘Свиное рыло’, коллекция 2019 г.

«Художественная Секта Колдовские художники или ХС Колхуи возникла на пике творческой активности «Неформального Объединения Молодежи» (Н.О.М.) в начале 00-х. Идейными вдохновителями секты, уловившими запрос зрителя на актуальное искусство стали фронтмен группы Н.О.М. Андрей Кагадеев и влившийся в жизнь коллектива художник Николай Копейкин.

ЧИТАТЬ БОЛЬШЕ...

Первая же выставка 2004 года «Человек. Магия. Общество или Ч.М.О.» носила характер художественного манифеста. В экспозиции царила изживающая себя постмодернистская эстетика — освоение низовыми жанрами вершин человеческого духа. В то время таковыми виделись масштабные инсталляции минималистов или концептуалистов в гулких залах европейских музеев современного искусства. Художники в гротескном духе представили основные актуальные художественные практики, порожденные искусством XX столетия: перемещение мастерской творца в выставочное пространство, перформанс, эстетизация найденных объектов. Не снижая модернистского пафоса, в 2004 году Колхуи, опираясь на опыт футуристов и обэриутов, выступили с предельно агрессивным и лаконичным кодексом «Не берут в Колхуи».

Возникший во время нарождающейся в России политкорректности, этот развенчивающий косность «профессионального», цехового искусства список нежелательных в группе лиц, функционирует и поныне. Наличие в списке взаимоисключающих позиций, является красноречивым свидетельством несостоятельности любых попыток манифестировать что-либо и подчеркивает парадоксальность мышления творческого коллектива.

Другим, не менее агрессивным и манифестирующим высказыванием, характеризующим зарождающийся в России арт-рынок, является картина- объект «Искусство — это мир качественных вещей, сделанных охуенно красивыми людьми». Две работы 2004 года коллективного авторства продолжают регулировать состав группы и диктуют высокие стандарты цеховой культуры, что позволяет Колхуям плодотворно выставляться на лучших площадках страны и за рубежом. В 2016 году Художественная Секта обрела мастерские и выставочные залы, где благодаря поразительной дисциплинированности была налажена интенсивная выставочная программа.

Все проекты ХС Колхуи демонстрируют глубокую осведомленность и знание мировой художественной культуры. Каждый из авторов группы обладает собственным узнаваемым языком и любопытной творческой биографией — в состав группы входят один из самых талантливых книжных графиков страны Михаил Гавричков и один из самых «тяжелых» музыкантов локальной металлической сцены Алексей Уваров. Таким образом, коллективные выставки выстраиваются в многоголосое сатирическое действо, созвучное идеям «эпического театра» Б. Брехта.

Важнейшей стихией в творчестве художественной группы является городской фольклор, постепенно превращающийся в «фольклор» медиа-действительности, перенасыщенной ложными новостями, «постправдой», историческими мифами и короткими вспышками поп-звезд. Художники группы развенчивают смехом сиюминутные ложные ценности, ставя под сомнение все, претендующее на истинность и культурную канонизацию.

В 2014 году на задуманной группой выставке плаката «Аблакаты Балалайкина» был представлен объект «Осиновый карандаш» — висящий на цепях кол, состоящий в генетическом родстве с орудием антифашистской пропаганды — плакатами и листовками «Боевого карандаша». В 2014 году, запомнившемся дестабилизаций России и международными конфликтами, «осиновый карандаш» оказался | наточенным на «вампиров мировой истории», которых оживили многочисленные интернет-тролли, разжигающие информационную войну и массовую истерию. В этом же году в Женеве состоялась миротворческая выставка «Зигзаг!», посвященная обострению отношений между Россией и Украиной и связанными с этим злоупотреблениями агрессивной националистической риторикой.

Здесь уместен разговор об общественной функции сатиры.

Художественная секта Колхуи, появившаяся в эпоху крушения идеологий, отсутствия нравственных ориентиров и торжества популизма, руководствуясь фундаментальным принципом панк-культуры Р1У, то есть «сделай сам», так или иначе взвалила на себя определенные этические функции. Начиналось все с поведенческого кодекса: в городе появлялись комические вирусные афиши, призывающие говорить «надел шапку» вместо «одел шапку», вышел тираж плакатов, рассказывающих о том, как «кушать в ресторане» и вести себя в гостях. Эти кодексы, обращающие внимание на некоторые советские бытовые привычки, стали для молодых ленинградцев-петербуржцев чем-то вроде петровского «Юности честного зерцала», призывавшего в свое время не грызть кости и не сморкаться за столом.

Одиночество сатирика, бичующего действительность с позиции моральной нормы, в случае с художественной сектой снято абсолютно доверительным тоном. Члены художественной секты являются носителями всех человеческих пороков, что не отделяет их от зрителя.

Но главным врагом «осинового карандаша» сегодня является скорее не современник, а иллюзорное — неживое, населяющее информационный мир. Здесь Колхуи не предлагают никакой позитивной программы, ставя перед собой задачу «разочаровать зрителя». В этой позиции явлен высокий гуманистический дух художественной секты. Мало кто из тщеславных творцов романтического типа так озабочен общением со своим зрителем и поиском общего языка. Выставочные проекты ХС Колхуи являются своего рода идеологическим фильтром, в котором застревают и обезвреживаются вредоносные образы и мифы, способные отравить ненавистью и агрессией естественное душевное состояние человека.

Зритель и почитатель творчества ХС Колхуи не принимает в качестве высоких достижений отечественной культуры исторические телесериалы, вокальные телешоу или масштабные парады военной техники, не принимает культ спорта и тотального шашлычного плейера. «Осиновый карандаш» художников — орудие сатирическое, то есть бескомпромиссно отрицающее и не предлагающее альтернатив. В этой позиции кроется честность художников, отказавшихся от полутонов, намеков и тихих улыбок иронии. Благодаря новым медиа и социальным сетям, любое высказывание, любая острота ставится под сомнение и проверяется внутренним цензором. В этой ситуации Колхуи берут на себя смелость утверждать и продолжают говорить языком плаката. Работа Николая Копейкина 2014 года гласит — «Мы ваше зеркало». Этим масштабных холстом художник протягивает свою мозолистую руку зрителю и приглашает его к сотворчеству, к духовной деятельности, к размышлению. И в этом отношении ХС Колхуи является подлинно народным явлением.»

Павел Маркайтис

СВЕРНУТЬ...

‘СВИНОЕ РЫЛО’ 2019:

« 1 из 17 »


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>100 картин из собрания семьи Березовских

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
100 картин из собрания семьи Березовских

Коллекция из 100 работ русских художников XIX — XX вв., принадлежащих собранию семьи Березовских. Материалы выставки «Три петербургских коллекции», прошедшей весной 2019 г. в Русском музее Санкт-Петербурга.

«Любая частная коллекция отражает личность собирателя, его художественные и историко-культурные предпочтения, увлечения и привязанности. Не являются исключением и мои коллекции, с годами составившие семейное художественное собрание…

ЧИТАТЬ БОЛЬШЕ...

Интерес к собирательству проявился у меня довольно поздно, и связан он с детскими впечатлениями, с картинами, которые я видел в доме своего деда, а затем отчима. Дед мой, Николай Дмитриевич Березовский, был довольно известным музыкантом и поэтом, дружившим со многими деятелями искусства, в том числе Сергеем Есениным, Владимиром Маяковским, Бенедиктом Лившицем. В доме отчима, Владимира Антоновича Павленко, учёного, члена-корреспондента Академии наук, тоже были картины. В гостях у нас часто бывали его коллеги-ученые, в кругу которых было принято собирать произведения искусства. С детства я слышал их рассказы о новых приобретениях, удачных покупках, обменах.

Первыми предметами моей собственной коллекции стали картины, полученные в наследство от Лидии Николаевны Угловской — дальней родственницы, внучатой племянницы пейзажиста Станислава Жуковского. Это были работы самого Жуковского и художников его круга — Николая Дубовского, Аркадия Рылова, Валентина Серова и Евгения Лансере. В этот период я работал в Балтийском морском пароходстве. Интерес к изобразительному искусству и собирательству в 1990-х проявился у меня с новой силой. Этому способствовало и то, что недоступные ранее предметы искусства и даже отдельные коллекции в 1990-х годах стали появляться на антикварном рынке. Как и многие, я начал с приобретения работ художников-передвижников, но вскоре понял, что ближе мне работы художников круга «Мира искусства».

Однажды бывший одноклассник привёл меня в дом своего отца, архитектора Анатолия Максимовича Виленчика, где я впервые увидел стены, плотно увешанные картинами, и это произвело огромное впечатление. Со временем Виленчик познакомил меня со старейшими коллекционерами города: Борисом Васильевым, братьями Яковом и Иосифом Ржевскими, В. М. Магидсоном и др. По совету Анатолия Максимовича я стал приобретать не только картины, но и журналы начала XX века: «Мир искусства», «Весы», «Старые годы», «Аполлон» — сформировавшие мой художественный вкус на многие годы.

Большое значение для моего собирательства имело живое общение с коллекционерами. Так, немало времени я проводил в беседах с Борисом Николаевичем Васильевым — владельцем замечательной коллекции графики. Мне приятно, что ряд произведений из его коллекции ныне хранится у меня.

Позднее посчастливилось познакомиться и с семьей Чудновских. С большой благодарностью и уважением отношусь к этой замечательной семье, собравшей одну из лучших коллекций в стране. Близким другом на долгие годы стала для меня Надежда Григорьевна Симина — наследница историка и коллекционера Сигизмунда Натановича Валка, удивительная женщина, верный друг, умный и понимающий собеседник, интересная рассказчица и, как она сама себя называла, «простая русская учительница еврейского происхождения». Обладая острым глазом настоящего коллекционера, Надежда Григорьевна не раз помогала мне советом в вопросах тех или иных приобретений. Несколько произведений моей коллекции пришли из её собрания.

Не могу не вспомнить и Вадима Иллиодоровича Данилевского, в занимательнейших беседах с которым проводил я немало времени. Хранитель архива художника, искусствоведа и собирателя Степана Яремича, жене которого он доводился племянником, Вадим Иллиодорович уступил мне некоторые предметы из этого архива и художественного собрания.

С большой теплотой вспоминаю Игоря Николаевича Канторовича, частые и неизменно интересные встречи с которым проходили в его небольшой квартире на улице Нежинской.

По прошествии времени исключительно собирательская деятельность мне показалась узкой, и в результате появилась идея организовать пространство для экспонирования выставок и проведения образовательной и просветительской деятельности. Всем этим занялась моя дочь Кристина, дипломированный искусствовед. В результате в 2005 году в Санкт-Петербурге открылась галерея искусств под названием KGallery. Первой её выставкой стал показ произведений Бориса Григорьева, экспонаты для которого отбирались не только в российских коллекциях, но и в зарубежных. Затем последовали выставки «Кузьма Петров-Водкин и его ученики», «Борис Кустодиев и художники Поволжья» и многие другие. Значимыми монографическими персоналиями последних лет явились ретроспективы Сергея Судейкина, Константина Сомова и Виктора Замирайло.

Помимо произведений русских художников рубежа ХIХ-ХХ веков, составивших основной массив нашего собрания, в последние годы мы приобретаем и показываем в KGallery работы представителей объединения «Круг», «Группы одиннадцати» и художников «газа-невской культуры». Важным проектом стала серия выставок художников так называемого арефьевского круга. Не могу не отметить, что повышенный интерес к искусству этого поколения ленинградских художников во многом обусловлен приобретением коллекции профессора Анатолия Николаевича Сидорова — крупнейшего собирателя работ художников-шестидесятников. В фондах KGallery хранится также самое большое собрание работ художника «неофициального» искусства Евгения Михнова-Войтенко, ранее принадлежавшее Геннадию Приходько.

Интерес к частному собирательству с каждым годом растет, и в этом, несомненно, большая заслуга музеев, в особенности Русского музея, регулярно устраивающего выставки произведений из частных коллекций, поступавших в разное время в фонды музея. Так, впервые в XXI веке в залах музея демонстрировались коллекции Боткиных, Тенишевой, Темиловых-Шварц, Левитина и многих других российских и зарубежных собирателей, а художественное собрание ленинградцев Якова и Иосифа Ржевских стало значимой составляющей собрания Русского музея, представленной в постоянной экспозиции Мраморного дворца. Одной из лучших в Русском музее была выставка «Время собирать», объединившая произведения отечественных художников из зарубежных частных коллекций. Такого рода показы, безусловно, повышают общий уровень собирательской культуры и способствуют появлению в наших рядах новых коллекционеров.

Оглядываясь назад, нельзя не подчеркнуть, что ленинградские коллекционеры художественных произведений Иосиф Рыбаков, Борис Окунев, Абрам Чудновский, Сигизмунд Валк, Лев Лойцянский, Иосиф Эзрах, Александр Тимофеев, Георгий Блох, Илья Палеев, Игорь Афанасьев, братья Ржевские, Соломон Шустер, Борис Сурис, Пётр Корнилов и другие были яркими личностями и собирателями, равных которым сейчас немного. И всё же жизнь продолжается, искусство вечно, а значит, и коллекции в Санкт-Петербурге будут приумножаться и развиваться, и опорой для них всегда будет служить намять о предшественниках — петербургских и ленинградских собирателях.»

Владимир Березовский

СВЕРНУТЬ...

СОБРАНИЕ СЕМЬИ БЕРЕЗОВСКИХ:

« 1 из 12 »


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






НОВЫЕ ИМЕНА:<br>Гренобльская коллекция Жоржетт Агютт

НОВЫЕ ИМЕНА:
Гренобльская коллекция Жоржетт Агютт

Коллекция живописных и скульптурных работ несравненной Жоржетт Агютт, завещанная ею и ее супругом Марселем Самба Музею Гренобля в 1923 г.

Карьеру художника и скульптора Жоржетт начала очень рано, сразу по завершении обучения в Школе изящных искусств, где не состояла официально, т. к. в те времена на учебу принимали только мальчиков. Девушка, вместе с Матиссом и Марке, вольнослушательницей посещает мастерскую Густава Моро. Вначале, вдохновленная работами Камиля Коро и парижских символистов, Агютт пишет пейзажи в традиционных темных тонах, но затем ее очаровывает творчество постимпрессионистов — девушка жадно впитывает все новое, отчего ее мазок и колорит становятся легкими и свежими.

ЧИТАТЬ БОЛЬШЕ...

Жоржетт Агютт участвует в Осеннем парижском салоне и в Салоне независимых, выставляется в знаменитых галереях Георга Пёти, Дрюе и Вернем Жён (в Хрониках искусства Гийом Аполинер упоминает каждую их этих выставок). Из всех популярных художественных практик (скульптура, декоративное искусство, рисунок) именно живопись для Жоржетт больше всего отвечает ее призванию колориста — девушке одинаково легко даются и натюрморты, и портреты своих домашних, и пейзажи в долине Сены, и сад дома Боньер. Внимательно и чутко запоминает она уроки художников, которые посещает вместе с мужем. Синьяк вдохновляет ее колорит в 1910-1912 гг., а Матисс довлеет в период 1912 — 1914 гг. Лучистыми и смелыми красками, ровно положенными, она утверждает двухмерность картины и ее декоративный характер.

После Первой мировой войны творчество Жоржетт становится очень личным. Она кладет краску динамичным и щедрым мазком, наносимым теперь на необычную поверхность асбестоцементных пластин. Их шероховатая текстура хорошо удерживает краску, которая сохраняет всю свою свежесть и матовость подобно фрескам. Объединив разнообразные влияния и практикуя своеобразную живописную технику, Жоржетт Агютт создает личный неповторимый стиль яркой и экспрессивной живописи.
 

СВЕРНУТЬ...

ЖОРЖЕТТ АГЮТТ в МУЗЕЕ ГРЕНОБЛЯ:

« 1 из 3 »


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>Романтический пейзаж в Музее Гренобля

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
Романтический пейзаж в Музее Гренобля

Смотрите и наслаждайтесь очаровательной коллекцией романтической пейзажной живописи в Музее Гренобля (Франция).

При клике на изображении запускается полноэкранный лайтбокс, а в правом верхнем углу дисплея появляется название работы. Все представленные в рубрике полотна и скульптуры невозможно найти «на просторах интернета», по крайней мере, в удовлетворительном качестве.

РОМАНТИЧЕСКИЙ ПЕЙЗАЖ в МУЗЕЕ ГРЕНОБЛЯ:

« 1 из 3 »


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>Русский Кент

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
Русский Кент

Смотрите и наслаждайтесь русской коллекцией блестящего американского пейзажиста Роквелла Кента, хранящейся в музее имени А. С. Пушкина и в государственном Эрмитаже.

При клике на изображении запускается полноэкранный лайтбокс, а в правом верхнем углу дисплея появляется название работы. Все представленные в рубрике полотна и скульптуры невозможно найти «на просторах интернета», по крайней мере, в удовлетворительном качестве.

Аббревиатуры: ПМ — Пушкинский музей; ГЭ — Государственный Эрмитаж.

РУССКИЙ КЕНТ:

« 1 из 2 »


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>Фрида Кало в музее Карла Фаберже

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
Фрида Кало в музее Карла Фаберже

Смотрите и наслаждайтесь ранее неизвестными русскому зрителю работами знаменитой мексиканской художницы — Фриды Кало, представленными на выставке в музее Карла Фаберже в С.-Петербурге весной 2019 г.

Диего, Диего, Диего, Диего, Диего, Диего… В «Дневнике» — сборнике воспоминаний, стихов, заметок и рисунков, который Фрида начала вести в 1942 г., имя Диего Риверы стречается чаще любых других слов, несмотря на то, что она описывает романы и с другими мужчинами.

В одном из своих стихотворений Фрида признается, кем он был для нее:

ЧИТАТЬ БОЛЬШЕ...


Диего… начало,
Диего… строитель,
Диего… мой ребенок,
Диего… мой возлюбленный,
Диего… художник,
Диего… мой любовник,
Диего… мой супруг,
Диего… мой отец,
Диего… моя мать,
Диего… мой сын,
Диего… я сама,
Диего… вселенная.

Различие в единстве.

Но почему я зову его «Мой Диего»?
Он никогда не был и никогда не будет моим.
Он принадлежит самому себе.

Вся горечь ее любви в этих словах: «… никогда не будет моим».
 

СВЕРНУТЬ...

ФРИДА КАЛО в МУЗЕЕ КАРЛА ФАБЕРЖЕ:

« 1 из 5 »


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):

 






ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:<br>Диего Ривера в музее Карла Фаберже

ЛУЧШЕЕ ИЗ ГАЛЕРЕЙ ПЛАНЕТЫ:
Диего Ривера в музее Карла Фаберже

Смотрите и наслаждайтесь ранее неизвестными русскому зрителю работами знаменитого мексиканского художника — Диего Риверы, представленными на выставке в музее Карла Фаберже в С.-Петеребурге весной 2019 г.

БОЛЬШЕ О ХУДОЖНИКЕ...

После революции 1910-17 гг. в Мексике начался новый подъем в становлении национального самосознания. Мексиканский философ и писатель, ректор Национального университета Мексики и министр образования с 1921 г. Хосе Васконселос инициировал обширную культурную программу, направленную на популяризацию национальной истории искусства. Главную роль в этом проекте должна была сыграть живопись. Диего Ривера вернулся из Европы по приглашению Васконселоса и сразу же приступил к работе в Препаратории над своей первой мексиканской фреской.

Ривера с восторгом вспоминал свое возвращение в Мексику в 1921 г.: «Мое возвращение домой вызывало во мне эстетическое ликование, которое невозможно описать… Везде я видел потенциальный шедевр: в толпе, на рынках, на празднествах, в марширующих батальонах, в рабочих мастерских, на полях — в каждом сияющем лице, в каждом радующемся ребенке». В ноябре 1921 г. Ривера был направлен вместе с другими художниками, писателями и журналистами на раскопки городов мая Чичен-Ица и Ушмаль, чтобы ближе познакомиться с культурой древней Мексики. После этого путешествия поездки Риверы по стране стали регулярными. В марте 1922 г. Васконселос объявил о начале масштабного проекта фресковых росписей в Мексике. Его первым этапом стало оформление внутренних дворов в Министерстве народного образования. Ответственным был назначен Диего Ривера. Фрески министерства должны были отражать революционные идеалы и наглядно демонстрировать значимость истории и культуры индейского населения Мексики. Эскизы и наброски фресок перекочевывали в рисунки и станковые произведения, создавая целые циклы из жизни индейцев.

К концу 1920-х годов, когда стиль Риверы уже сложился, мастер много рисовал индейских матерей и их детей: художник виртуозно отражал близость и теплоту отношений своих моделей. Эти идиллические сцены стали очень популярны среди американских любителей искусства. Деньги от продаж Ривера вкладывал в свою растущую коллекцию доколумбова искусства. В своем творчестве он обращался и к истории доколумбовой Америки: так , цикл фресок 1942 — 1951 гг. для Национального дворца Мехико был посвящен теме «Доиспанская и колониальная Америка» с преобладанием доколумбовой культуры, которую Ривера изучал по старинным рукописям.
 

СВЕРНУТЬ...

ДИЕГО РИВЕРА в МУЗЕЕ КАРЛА ФАБЕРЖЕ:

« 1 из 7 »


БЛАГОДАРНОСТЬ

Введите сумму пожертвования в рублях
(конверсия валют по картам иностранных
банков проходит автоматически):